6. Творчество Р. К. Щедрина Тема Творчество композиторов-авангардистов icon

6. Творчество Р. К. Щедрина Тема Творчество композиторов-авангардистов



Смотрите также:
1   2   3
Тема 5. Творчество Г.В. Свиридова (1915 – 1998)

Вопросы:

  1. Творческий облик Г.В. Свиридова

  2. Кантатно-ораториальное творчество Г.В. Свиридова

  3. Поэма памяти Сергея Есенина

  4. «Курские песни


1.Творческий облик Г.В. Свиридова

Георгия Васильевича Свиридова называли последним представителем русской классической музыки. Очень рано Свиридов оказался в числе признанных классиков советской музыки. С великими композиторами19 в. его роднит духовная озабоченность человека, тревожащегося о душевном здоровье своего современника. Этот композитор, создавший свой мир в современной музыке – мир великого вдохновения и великого совершенства. Свиридов стал летописцем своего времени. Его волновало не только пережитое, прошедшее, он как бы заглядывал своим искусством в будущее.

Главным в музыке он считал ее очищающую и облагораживающую задачу. Основной образ творчества композитора - вдохновенный образ Родины, народа , человека с его богатым, сложным поэтическим духовным миром, нравственной чистотой, любовью к Родине.

Г.В. Свиридов родился 16 декабря 1915 г. в г. Фатеже возле Курска. В 1932 г. он поступает в Ленинградский музыкальный техникум. Вокальный цикл из шести романсов на стихи Пушкина, созданный выпускником техникума, сразу же принес известность молодому композитору. В 1936 г. Свиридов поступил в Ленинградскую консерваторию, учился в классе Шостаковича. Влияние Шостаковича проявилось в инструментальных произведениях военных и послевоенных лет (фортепианное трио, соната для фортепиано памяти Соллертинского, две партиты для фортепиано). В это же время им был написан вокальный цикл «Слободская лирика», в который вошли шесть романсов на стихи А. Прокофьева. Также в этот период им созданы оперетта «Настоящий жених», музыка к кинофильму «Поднятая целина», музыка к театральным пьесам.

Началом периода творческой зрелости стало создание в 1950 г. вокальной поэмы «Страна отцов» на стихи армянского поэта Аветика Исаакяна. В эти гг. композитор останавливается на камерном, хоровом и вокально-симфонических жанрах. Он обращается к творчеству Пушкина, Блока, Есенина, Маяковского, Исаакяна, Бернса.

Именно Свиридову советская музыка обязана широко развернувшимся ораториальным движением в 50-70-е гг. Для него оратория – сжатое выражение напряженных мыслей о Родине, о пережитых событиях истории страны, мысли, выраженной единством музыки и самой высокой классической поэзии.

Его оратории можно разделить на серии. В центре – серия музыкальных антологий – портретов выдающихся поэтов: Есенина, Пушкина, Маяковского, Блока, Пастернака.

Другая серия – сольно-песенные оратории, в которых собраны самые характерные стихи любимых поэтов: Бернса, Есенина («У меня отец –крестьянин»), Исаакяна («Страна отцов»). Каждая из ораторий стала настоящим монументом крупнейшим поэтам-классикам. Свиридов всегда придавал огромное значение слову, дополняющему эмоциональную стихию музыки конкретизирующим, философским, проповедническим началом.

Мудрость и ясность Пушкина, весенний романтизм Блока, интеллектуализм Пастернака, конфликтность Есенина, простое благородство Бернса, народная песня и духовный стих – все это привлекает Свиридова к союзу с музыкой, чтобы воспитывать душу человека на самом великом.

Композитор писал музыку о самом важном, что происходит в природе, жизни, душе человека. В его искусстве есть что-то космически крупное. Отсюда медленные темпы его произведений, торжественные звучности. Каждая нота в его творениях подчеркнута и весома. Суетность, торопливость ему чужды. Его герои духовно красивы – он воспевает труд, любовь, верность.

К лучшим произведениям Свиридова относятся вокально- симфонические фрески «Поэма памяти Сергея Есенина», «Патетическая оратория» на стихи В. Маяковского, кантата «Курские песни» на народные тексты, вокальный цикл «Петербургские песни» на стихи А. Блока, концерт для хора «Пушкинский венок», симфонические сюиты « Время, вперед!» и «Метель» (по повести Пушкина), «маленькие кантаты»: «Деревянная Русь» на стихи Есенина, «Снег идет» на стихи Б. Пастернака, романсы и многие другие произведения.

^ 2.Вокально- симфоническое творчество Г. Свиридова

Главное в творчестве Свиридова – это вокальная музыка (песни, романсы, вокальные циклы, кантаты, оратории, хоровые произведения). Здесь счастливо соединились его удивительное чувство стиха, глубина постижения поэзии и богатое мелодическое дарование. Он не только распел строки Маяковского («Патетическая оратория»), Б. Пастернака (кантата «Снег идет»), прозу Гоголя (хор «Об утраченной юности»), но и музыкально - стилистически обновил современную мелодику. В музыке Свиридова духовная мощь и философская глубина поэзии выражаются в мелодиях пронзительной, кристальной ясности, в богатстве оркестровых красок, в оригинальной ладовой структуре.

Центральное место в творчестве Свиридова занимают Пушкин и Есенин. На стихи Пушкина у Свиридова кроме отдельных песен и юношеских романсов написаны 10 великолепных хоров «Пушкинского венка» (1979), где сквозь гармонию и радость жизни прорывается суровое размышление поэта наедине с вечностью («Зорю бьют»). Есенин – самый близкий, самый главный поэт Свиридова (около 50 сольных и хоровых сочинений). Среди есенинских произведений Свиридова «Поэма памяти Сергея Есенина», хоры «Душа грустит о небесах», «Вечером синим», «Табун» и др.

Хоровое искусство Свиридова опирается на такие истоки, как духовные православные песнопения и русский фольклор, оно включает в орбиту своего обобщения интонационный язык революционной песни, марша, ораторских речей – т.е. звуковой материал русского ХХ века, и на этом фундаменте вырастает новый феномен такой силы и красоты, духовной мощи и проникновенности, который поднимает хоровое искусство современности на новую ступень.

^ 3.Поэма памяти Сергея Есенина

Поэма на стихи С. Есенина для солиста (тенор), смешанного хора и симфонического оркестра создана Свиридовым в 1956 г.

Основная тема произведения – любовь поэта к родному краю. Сквозь призму этой темы композитор рисует и самого Есенина – большого и прекрасного русского поэта, «крестьянского сына», неразрывно связанного с народом, с землею, с Родиной.

Стихотворения, образующие первые шесть номеров, созданы Есениным в период 1910 -1916 гг. Они воспроизводят картины жизни русского крестьянства до Октябрьской революции. Это «Край ты мой заброшенный» (1914), «Поет зима…»(1910), «В том краю…» (1915), «Молотьба» (1916), «За рекой горят огни» (1916), «Матушка в Купальницу по лесу ходила»(1912). Последующие четыре стихотворения относятся к 1918 -1924 гг. и посвящены образам молодой Советской России. Это два фрагмента из поэмы «Песнь о великом походе» (1924), озаглавленных Свиридовым «1919» и «Крестьянские ребята»; стихотворение «Я – последний поэт деревни…» (1919) и фрагмент из цикла «Иорданская голубица» (1918) – «Небо – как колокол…», образующий финал поэмы.

Такая группировка отчетливо делит всю композицию на две части, которые можно условно назвать «Русь уходящая» и «Русь советская».

В поэме органично сочетаются лирическое и эпическое начала.

Лирическая тема в цикле дана в тесном переплетении с гражданской, историко-социальной. Обе они ясно выражены в музыкальной драматургии как две различные музыкально-интонационные сферы образов. Одна – лирическая, созерцательного характера, связанная с размышлением, - ею начинается произведение; другая – активная, действенная, полная энергии, размаха, - впервые отчетливо выявляется в четвертой части «Молотьба» и, развиваясь, ведет к финалу. Контрастность этих сфер подчеркнута ладовой окраской: минорной – для первой, мажорной – для второй.

  1. «Край ты мой заброшенный» - картина русской природы, проникнутая безысходной тоской, состраданием к бедствиям и горю русского крестьянства. Исполненная печали мелодия солиста с ее строгой диатоникой, небольшой протяженностью ниспадающего основного мотива близка плачевым песенным напевам.

  2. «Поет зима» - картина зимней вьюги – бешеной, злой, неистовой. Сильный, грозный образ метели ассоциируется с образами расходившейся «силушки», разгулявшейся «волюшки», с богатырским образом русского народа.

  3. «В том краю…»- песня-монолог для солиста, в которой представлен пейзаж скромной русской природы с сиротливыми избами деревень и дорога, по которой «идут люди в кандалах». Мелодия певца носит народно - песенный характер. Она задушевна, задумчива, искрення.

  4. «Молотьба» - этим номером повествование переводится в мир активный, деятельный, энергичный. Это действие, сцена. В ней воссоздается образ тяжелого, но радостного крестьянского труда – уборки урожая.

  5. «Ночь под Ивана Купала» - волшебная, зачарованная картина таинственной ночи. Неустойчивое, зыбкое звучание сменяется громогласным и торжественным зовом «Ой, Купала, Купала». В конце номера звучит плясовая, хороводная песня, оркестр имитирует звучание народных инструментов – балалаек, гармоник, бубнов, колотушек.

  6. «Ночь под Ивана Купала» (продолжение) – песня для солиста в сопровождении хора и оркестра. Здесь тот же колорит, что и в предыдущей части: тихие звучности, нежные, чистые, светлые краски, прозрачная фактура. Мелодия близка былинным напевам.

  7. «1919…». Картина родной деревни, запустелых полей, земли опустошенной и разоренной за годы войны. Этот хоровой номер воспринимается как народный плач о горькой доле.

  8. «Крестьянские ребята» - воплощение образа деревенской бедноты, поднявшейся на защиту Советской власти, образ красноармейцев, удалой молодецкой силы. Композитор строит музыку на основе частушечных ритмо -интонаций, в виде скороговорочной, веселой, озорной хоровой песни с припляской.

  9. «Я – последний поэт деревни…» - скорбный монолог, лирическая исповедь поэта. Мелодия солиста сдержанна и скупа. Она звучит очень тихо, как бы «про себя», в медленном сосредоточенном движении. Длительное звучание квинты в оркестре усиливает ощущение пустоты, безнадежности.

10 . «Небо – как колокол…» - финал, звучащий величественно,

мощно, гимнически. Основная тема эпически проста и могуча. В

оркестре представлен образ торжественного гудения - звона

колоколов.


^ 4.Курские песни

В основе семи частей этой кантаты лежат подлинные образцы песенного фольклора Курской области, взятые из сборника А.В. Рудневой. Песни эти – старинные крестьянские, принадлежащие к наиболее самобытной, исконной части русского народного творчества. Об этом свидетельствую и их жанры (лирические протяжные песни, покосные, свадебная, бурлацкая, хороводная), и ладовые особенности. Все они опираются на натуральные диатонические лады: эолийский, либо различные переменные (эолийский – миксолидийский и т.п.), либо такие, звукоряд которых ограничен всего четырьмя ступенями, расположенными по целым тонам в диапазоне увеличенной кварты. Этот лидийский тетрахорд очень древний, он присущ именно для Курщины. На нем основаны вошедшие в кантату песни «Зеленый дубок», «В городе звоны звонют» и «За речкою, за быстрою».

Каждая часть кантаты – небольшая пьеса для хора (иногда с солистами) и оркестра, в которой сохранены и напев фольклорного первоисточника, и его текст (целиком или большая часть), и форма (куплетная или куплетно-вариационная).

Народ высказывается в своих песнях метафорично. Девушка думает о любви, а поет о дубочке и липе. Ее гнетет неволя в чужом доме, а мы слышим жалобу соловушки в золотой клетке. Такой поэтический образ-символ – это краткая, точная и в то же время обобщенная форма выражения мысли. И воплощая в каждой части кантаты идею через лаконичный, но необыкновенно яркий и емкий музыкальный образ, Свиридов тем самым претворяет важнейшую особенность народного художественного мышления.

Первая песня «Зеленый дубок». Цветущая липа, о которой здесь поется, - это символ любви, напоминание о милом дружке. И в музыке расцветает, зачаровывая своей красотой, целый волшебный лес. Тихо гудит закрытая литавра, звенят флажолеты засурдиненных скрипок, мягко позвякивают челеста и арфы. Поют одни лишь альты, легким звуком, мечтательно и нежно (им сопутствуют низкие флейты), и одну из фраз повторяет «воркующий» фагот, чей приглушенный голос доносится словно откуда-то издалека, звучит ласково и таинственно.

Вторая часть «Ты воспой, воспой, жавороночек». Это призыв к жаворонку воспеть «зимой на прогалинке», «весной на проталинке». У хора раздается по-весеннему бодрая и упругая, молодецкая удалая песня. В оркестре то чередуется с ней, то сопровождает ее совершенно небывалый какой-то звон и свист: будто ослепительно засияли небеса и чьи-то трепещущие крылья с размаху рассекают воздух…

Песня «В городе звоны звонют» переносит с открытого светлого простора полей в темный терем. Затаенно звучит у басов проникновенный и суровый сказ о матушке, молящейся за свою дочь. Предельно скупа оркестровая фактура: глухие удары тамтама, октава в басах. Лишь в конце брезжит свет и смягчаются краски. Над тихими аккордами парят нежные звучания сопрано.

В четвертом номере «Ой, горе, горе да лебедоньку моему» девушки ведут хоровод вокруг своей подруги, ставшей матерью. Песня грустна, трогательно печальна. Но печаль эта светла: женские голоса звучат легко, и узор оркестрового сопровождения предельно прозрачен.

Оживленная картинка народного быта – пятая часть «Купил Ванька себе косу». Ванька любит чужую жену, а «своя стоит, плачет…Ванюшку ругает». Свиридов разворачивает своеобразную сценку – поведение героя обсуждается и осуждается всей «общиной».

Предпоследняя часть «Соловей мой» - самая протяженная в кантате. Поют только женщины и солирует альт. Опять говорится о женской доле, но теперь долгий, неторопливый, извилистый напев-жалоба проникнут тяжелой тоской.

Финал «За речкою» - высшее выражение тех настроений молодецкой удали, что проявились уже в песнях «Ты воспой» и «Купил Ванька». Плясовой напев, лежащий в основе этого номера, звучит весело и своевольно. За отчаянным весельем чувствуется скрытая сила.

На протяжении семи номеров кантаты перед нами проходит история крестьянской девушки. Она любит, гуляет с милым, выходит замуж, становится матерью, страдает от измены мужа, горюет в «золотой клетке». Проходит через кантату и другая линия - бодрых, весенних настроений. Ее кульминация (финал) - это кульминация всей кантаты. Жизнь идет своим чередом, поглощая горести, и песни продолжают звучать.

Произведение Свиридова представляет собой не сюиту, не «венок» из фольклорных обработок, а возникшее на основе подлинных народных песен самостоятельное, цельное по замыслу произведение, пронизанное одной большой мыслью.


Тема 6. Творчество Р. К. Щедрина (род. в 1932 г.)

Вопросы:

  1. Творческий облик Р.К. Щедрина

  2. Второй фортепианный концерт

  3. Балет «Дама с собачкой»


1.Творческий облик Р.К. Щедрина

Произведения Родиона Константиновича Щедрина очень часто оказывались для слушателей и музыкальных критиков настоящими сюрпризами. Своими дерзкими замыслами, непредвиденными решениями он часто будоражил воображение слушателей. Выйдя из плеяды «шестидесятников», сегодня он входит в число выдающихся композиторов современности. Его творчество отличается многогранностью и изобретательностью. Многое в музыке советской эпохи он начинал первым: первым ввел в инструментальный концерт частушку (в Первом фортепианном концерте), первым использовал коллаж (во Второй фортепианный концерт он ввел джазовые фрагменты), в Третий фортепианный концерт ввел фрагмент из Первого концерта Чайковского, который, по желанию солиста, может быть заменен на отрывок из любого репертуарного концерта (Грига, Рахманинова, Шопена, Шумана, Скрябина, Прокофьева).

Родион Щедрин родился 16 декабря 1932 г. в музыкальной семье. В 1945 г. он поступил в Московское хоровое училище, в 1950 – в Московскую консерваторию в класс композиции Ю Шапорина и фортепиано Я.Флиэра. В годы учебы он пробует себя в разных жанрах. Им написаны программные фортепианные пьесы («Юмореска», «В подражание Альбенису»), Симфоническая поэма, этюды, два квартета, Фортепианный квинтет. В 1951 г. Щедрин побывал в глухих уголках Белоруссии. Самым ярким впечатлением от поездки стали частушки. Он включил частушки в свой первый фортепианный концерт – дипломную работу в консерватории. Произведение поразило использованием в финале «Семеновны», общей динамикой образов. Фольклорные истоки проявились и в балете «Конек-Горбунок». В 1955 г. Щедрин поступил в аспирантуру в класс Шапорина. Вершина его творчества этого времени – Первая симфония, отмеченная премией на консерваторском конкурсе. Наиболее крупными фольклорными произведениями этих лет стали опера -частушка «Не только любовь» и концерт для оркестра «Озорные частушки». В «Озорных частушках» композитор использовал подлинные мелодии частушек, записаных в разных уголках России. Это произведение представляет собой концерт-соревнование, где поочередно солируют все инструменты, как бы «выхваляясь» друг перед другом, как на деревенском песенном турнире. В произведении проявились изобретательность и чувство юмора композитора. Препарированное фортепиано подражает сопровождению на гармонике или балалайке, тембры инструментов передают задиристую разноголосицу участников веселья, которые стараются друг друга перекричать. Инструментальный концерт превращается в театрализованное действие с живыми персонажами, народным говором, полным лукавства и юмора.

Фольклорная линия в творчестве щедрина продолжала развиваться и дальше. Он расширяет ее жанровый диапазон, используя в «Поэтории», «Звонах» народные песни разных жанров. Параллельно с этим развивается лирико-драматическая линия его творчества в театральных жанрах: балетах «Анна Каренина», «Чайка», «Дама с собачкой». К этому же периоду относится опера на сюжет поэмы Гоголя «Мертвые души».

Особое направление в творчестве Щедрина – неоклассическая, «баховская линия». В своем «восхождении» к Баху композитор прошел несколько этапов. Им были написаны пьеса «Basso ostinato», цикл «Прелюдии и фуги» (первая тетрадь – диезные тональности – написана в 1963 г., вторая – бемольные тональности – в 1970 г.), «Полифоническая тетрадь», «Музыка для города Кетена», «Музыкальное приношение».

«Музыкальное приношение» - произведение для органа, трех флейт, трех фаготов, трех тромбонов – написано к трехсотлетию со дня рождение И.С. Баха. В сочинении несколько раз использована тема B-A-C-H и фрагменты из баховской органной прелюдии ля минор. Тон сочинения повествовательный, неспешный, близкий к тому роду несуетного музицирования, который был принят в эпоху Баха.

В начале 90-х гг. Щедрин вместе с супругой – балериной Майей Плисецкой - переехал в Германию. В это время были проведены фестивали, посвященные его 60 -, 65 -, 70- летию, принявшие европейский масштаб.

Диапазон творчества композитора в 90-е и 2000-е гг. очень широк. В 1994 г. написана опера «Лолита» по роману В.Набокова. Премьера ее состоялась в Стокгольме, дирижировал М. Ростропович. По жанру «Лолита» - большая опера, grand opera. На первый план в опере выступает текст. В узловые моменты оперы он дается в виде разговорной речи. Это сближает оперу с жанрами драмы с музыкой и даже мюзиклом. Здесь нет больших массовых сцен, свойственных большой опере. В целом, «Лолита» одновременно и новаторский спектакль, и продолжение традиций русской оперы.

Большое место в творчестве Щедрина последних лет занимает жанр инструментального концерта – 7 произведений, из которых 1 для оркестра и 6 сольных концертов. Многие из них родились в результате контактов композитора с крупнейшими музыкантами мира – Н.Петровым, М. Ростроповичем, Ю.Башметом.

В сочинениях для оркестра в этот период проявляется тяготение к русской тематике и струнному составу. Это видно даже в названиях произведений: «Российские фотографии», Величание струнных», «Вологодские свирели». В 2000 г. композитором была написана 3-я симфония – «Symphonie concertante» с подзаголовком «Лица русских сказок».

Творчество композитора включает также хоровые и камерные инструментальные произведения.


^ 2.Второй фортепианный концерт

Не стремясь к литературной программности, Щедрин дал каждой из трех частей концерта подзаголовки, настраивающие слушателя на определенную образную волну: «Диалоги», «Импровизации», «Контрасты». Автор, по его словам, стремился «заставить слушателя с неослабевающим вниманием и интересом от начала до конца слушать новое сочинение, то есть подчинить этой задаче весь замысел, все технические средства, всю фантазию».

Принцип контрастности пронизывает все сочинение. С самого начала музыка чрезвычайно динамична, импульсивна, словно проникнута духом и пульсом современности: развитие кинематографически стремительно, но в то же время не производит впечатления стихийности; фантазия композитора рождает все новые и новые образные комплексы, их смена, их борьба властно приковывает внимание. Над всем этим потоком царит неукротимая воля, цельность замысла, разнородные картины постепенно выстраиваются в сознании слушателя в единое музыкальное «здание».

Музыкальный язык концерта, весь характер высказывания, отмечен стремлением к предельному лаконизму, к строгому отбору выразительных средств; движущей силой тут становится волевое начало, сдержанный, но неукротимый темперамент. В результате драматургические контрасты, конфликтные «столкновения - вспышки» носят не внешний, но глубоко закономерный характер неизбежных противопоставлений. Это приводит к огромному накалу, взрывчатой насыщенности музыки, отчетливо ощущающимся уже в первой части. Здесь можно увидеть не только традиционное соревнования солиста и оркестра, но и противопоставление партий правой и левой руки пианиста, отдельных оркестровых групп, инструментальных реплик.

Вторая часть «Импровизации» не вносит обычного успокоения в бурный музыкальный поток, но напротив, представляет собой своего рода «скерцо-токкату», где борьба противоположных начал вспыхивает с новой силой. По фольклорному размашистая и звонкая первая тема и контрастирующая ей моторная настойчивость фортепианной партии дают материал для дальнейшей вариационной разработки. Нередко изложение приобретает здесь импровизационный оттенок: автор подчеркивает это, не фиксируя в точной записи отдельные фрагменты фортепианной фактуры, как бы «провоцируя» солиста на проявление творческой фантазии, но в то же время «подсказывая» ему направление мысли всем ходом музыкального развития.

Финал концерта - не только заключение, но и кульминация музыкального повествования. Идея контрастности достигает здесь своей вершины. Но самые пестрые, разнохарактерные, на первый взгляд, составляющие элементы - «ищущие» аккорды начала, нарочито бесстрастные эпизоды, напоминающие технические упражнения, и неожиданно врывающийся джазовый фрагмент с тонкой импровизацией ударника, островки лирической напевности - все это заключено в единый драматургический каркас, все встает на свое место в эстетической концепции и идейном замысле, убедительный , неопровержимый итог которому подводит заключение.


^ 3.Балет «Дама с собачкой»

«Дама с собачкой» - одноактный балет по мотивам одноименного рассказа А.П. Чехова. Композитор стремится к передаче не внешней, едва заметной канвы сюжета, а сокровенного смысла чеховского произведения. Рассказ Чехова – это трагическая поэма о любви, о потерянной жизни и светлой мечте, о силе любви, которая в жизни, а не в сказке, подчас оказывается бессильна.

Произведение Щедрина носит камерный, интимный характер. Оркестр включает в себя струнную группу, два гобоя, две валторны и челесту. Музыке отличается пронзительным лиризмом, эмоциональной сосредоточенностью, светлой печалью. В ней нет никаких «взрывов», нет контрастов. В ней слышатся душевное тепло и проникновенность, ей присуща хрупкая красота, певучая бесконечная мелодия.

Балет построен как ряд дуэтов, дающих возможность передать мельчайшие нюансы человеческих взаимоотношений. Щедрин стремится подчеркнуть чеховскую мысль, что великое чувство любви изменило героев, вырвало их из паутины обычаев, приличий, толков, пересудов, расстройств служебный отношений и положений. Пять дуэтов - это пять последовательных граней, раскрывающих их внутренний мир – мир в его развитии и просветлении.

В «Дуэте - прологе» чувствуется тревожная атмосфера повествования. В нем – и радостное ожидание счастья, и знак печали.

«Прогулка» звучит как воспоминание, овеянное дымкой загадочности и предощущением возможности счастья.

«Любовь» - кульминация чувства – страстного, ничем не сдерживаемого.

«Видение» раскрывает нетерпеливое одиночество Гурова в Москве, осознание им случившейся перемены, проникнутое горечью и надеждой

«Встреча» - влюбленные снова вместе, счастливы, но «что впереди»? Горестные перезвоны челесты переплетаются с попевками двух солирующих скрипок и гобоев. Самое сложное и трудное в жизни героев только начинается.


Тема 7. Творчество композиторов-авангардистов

Вопросы:

  1. Творчество Э.В. Денисова

  2. Творчество С.А. Губайдуллиной

  3. Творчество А.Г. Шнитке


1. Творчество Э.В. Денисова (1929 -1996)

Эдисон Васильевич Денисов относится к художественному поколению, вышедшему на сцену в начале 60-х гг. Для этого поколения определяющей явилась идея духовной свободы. Одним из способов обретения этой свободы стало обращение к новейшим методам музыкальной композиции. Так в СССР зародился авангард. Музыканты-новаторы тут же попадали под огонь критики, их произведения запрещались к исполнению. Э. Денисов - один из лидеров советского авангарда.

Денисов родился 6 апреля 1929 г. в Томске. В 1946 г. поступил в Томский государственный университет на физико-математический факультет, а параллельно начал учиться на фортепианном отделении музыкального училища. Первые композиторские опыты музыканта - прелюдии, романсы, Классическая сюита в пяти частях и комическая сценка по Чехову «Неудача» - мини -опера с четырьмя персонажами. Летом 1951 г. он поступил в Московскую консерваторию в класс В.Г. Шебалина. После окончания консерватории поступил в аспирантуру и по рекомендации Д. Шостаковича был принят в Союз композиторов СССР. С начала 60-х гг. Денисов заинтересовался современными композиторскими приемами - додекафонией, серийной техникой. В этой манере был написан целый ряд инструментальных произведений. Этапной для его творчества стала кантата «Солнце инков» на стихи чилийской поэтессы Габриэлы Мистраль. Это произведение было издано в Вене и исполнено в Германии и Франции. Его Денисов назвал своим первым опусом.

Следующим этапом в творчестве стали «Плачи» для сопрано, ударных и фортепиано на народные тексты. Здесь были найдены точки соприкосновения новой техники и народной музыки. Оригинально сопровождение - три группы ударных и фортепиано, которое рассматривается также как ударный инструмент (используется игра на струнах фортепиано и разные ударные эффекты)

60-е гг.- время поисков собственной композиторской системы. Композитор экспериментирует в сочетаниях тембров различных инструментов.

В начале 70-х гг. творчество Денисова выходит на международную арену, но на родине его музыка практически не исполняется. В произведениях этих лет воплотилась идея синтеза музыки и живописи. Среди них: «Силуэты» для флейты, фортепиано и ударных, «Живопись» для симфонического оркестра, «Знаки на белом» для фортепиано, «Акварели» для 24 струнных и др. В конце десятилетия написаны вокальные циклы «Листья», «Боль и тишина», «На повороте» и др.

В «Силуэтах» использован коллаж, воспроизводящий образы женщин из оперной и вокальной музыки. Здесь были видоизменены и даже деформированы за счет серийности цитаты из опер Моцарта «Дон Жуан», Глинки «Руслан и Людмила», Чайковского «Пиковая дама», Берга «Воццек», песни Листа «Лорелея».

«Знаки на белом» - это тихая утонченная музыка, в основе которой сонорная техника. Музыка на грани тишины, в ней больше пауз, чем нот.

«Живопись» - оркестровая пьеса, связанная с творчеством художника Б. Бергера. Соединение тембра инструментов в этой пьесе создает ассоциации со смешением красок в живописи.

«Реквием» на текст поэмы Ф. Танцера стал вершиной этого периода. Это произведение - «конспект» человеческой жизни: первая часть - рождение и детство; вторая - юность, влечение; третья - любовь; четвертая _ семья и разрыв; пятая - смерть. В «Реквиеме» ощутим намек на жанр «Страстей» - не только Иисуса Христа, но и всего человечества.

Основу творчества 80 -90-х гг. составляет религиозно-духовная тематика. Среди сочинений этого времени «Рождественская звезда», «Свете тихий», «Три отрывка из Ветхого Завета» др.

Важное место в творчестве Денисова занимают театральные жанры. Им написано три оперы - «Иван -солдат», «Пена дней», «Четыре девушки», а также балет «Исповедь». В основе этих произведений - романтические лирические сюжеты.

В своем творчестве композитор стремился уловить «неуловимый» внутренний свет и передать его слушателям как очищающую и возвышающую силу.


^ Творчество С.А. Губайдулиной (род. 1931)

София Асгатовна Губайдулина родилась в октябре 1931 г. в Чистополе Татарской АССР. Закончила Казанскую (по классу фортепиано) и Московскую (по классу композиции) консерватории, а также аспирантуру у А.Шебалина.

Творчество Губайдулиной чрезвычайно разнообразно в жанровом отношении. Ею написаны вокальные, инструментальные, хоровые произведения. К наиболее известным относятся следующие произведения: 2 симфонии, увертюра «Триумф», «Поэма-сказка», многочисленные кантаты, оратории, среди которых выделяются «Ночь в Мемфисе», «Аллилуйя», «Посвящение Марине Цветаевой», концерты для разных инструментов, камерные сочинения, вокальные циклы, музыка для кино и др.

«Ночь в Мемфисе» - кантата для меццо-сопрано, мужского хора (в магнитофонной записи) и оркестра на тексты из древнеегипетской лирики в переводе А.Ахматовой и В. Потаповой. Написанная в 1968 г., кантата впервые была исполнена в 1989 г. Композитор так сумела подобрать тексты, что тема личного чувства, неразрешимости любви и нелюбви, в ее кантате переросла в глубокое философское столкновение жизни и смерти. Итогом этого столкновения становится примирение человека с двойственностью его судьбы, растворение личных страданий в радости дня. Это противопоставление личного и внеличного начал очень точно выражено в музыке, написанной в додекафонной технике, в сопоставлении меццо-сопрано и мужского хора, живого певческого голоса и магнитофонной записи. «Ночь в Мемфисе» - одно из самых известных и исполняемых произведений Губайдулиной.

«Час души» - музыка для большого симфонического оркестра, солирующих ударных и меццо-сопрано на стихи М. Цветаевой (1976). Композитор использует полистилистику. В музыкальную ткань она вплетает мелодии избитых песен. В этом произведении действуют положительные лирические «герои» - солирующий голос, ударные, струнные, азиатский чанг. Им противостоят «агрессивные» медные инструменты. Их борьба выливается в гротесковое скерцо, в котором звучат цитаты уличных песенок – «Веселый ветер», «Цыпленок жареный», «Ой, Коля, грудь больно, любила довольно», «Амурские волны». Но том-томы прерывают эти банальности. В коде композитор вводит стихи М. Цветаевой, которые поднимают произведение на высочайшую поэтическую ступень.

Одно из оригинальных произведений Губайдуллиной Симфония «Слышу…Умолкло…». Монументальная симфония (12 частей) далеко уходит от традиций жанра. Идея ее заключена в самом названии, подтверждающем важность не только звучания, но и молчания, пауз. Симфония посвящена дирижеру Г.Рождественскому. Смысловым центром произведения стало уникальное соло дирижера при молчании всего оркестра.

Вторая симфония «Фигуры времени» была написана в 1994 г.

Большое место в творчестве композитора занимает жанр инструментального концерта. Ею написаны Концерт для фагота с оркестром(1975), Концерт для фортепиано и камерного оркестра «Introitus», посвященный пианисту А. Бахчиеву (1978), Концерт для скрипки с оркестром, посвященный Гидону Кремеру (1982), Концерт для альта с оркестром (1996), написанный для Ю.Башмета, и др.

О своем творчестве С. Губайдуллина говорит: « Я религиозный, православный человек и религию понимаю буквально как re-ligio, восстановление связи, восстановление legato жизни. Жизнь разрывает человека на части. Он должен восстановить свою целостность, это и есть религия. Помимо духовного восстановления нет никакой более серьезной причины для сочинения музыки»

^ 2.Творчество А.Г. Шнитке (1934-1998)

Альфред Гарриевич Шнитке – один из самых ярких представителей авангарда. Он проявил себя как философ и теоретик в музыке. Его творчество рождается из его философских размышлений. Его произведения воплотили драматические конфликты эпохи, они звучат как захватывающие современные рассказы. В то же время в них звучат вечные темы человеческой жизни – добра и зла, жизни и смерти, Бога и дьявола, истины и веры.

А. Шнитке родился в ноябре 1934 г. в семье поволжских немцев в городе Энгельсе Саратовской области. В 1958 г. он закончил Московскую консерваторию, в 1961 –аспирантуру по классу сочинения. С1961 по 1972 г. преподавал на кафедре инструментовки Московской консерватории. Шнитке писал статьи, выступал с докладами и сообщениями, участвовал в фестивалях, был членом правления Союза композиторов СССР, членом Клуба кинематографистов. Являясь представителем авангардного искусства, в 60 -70- гг. он находится в положении «внутреннего диссидента», хотя его творчество и не было отгорожено от слушателей. В 1974 г. состоялся первый авторский фестиваль музыки Шнитке, прошедший с большим успехом. На нем впервые была исполнена его Первая симфония. В ней, по словам композитора, чувствуется общее ощущение дыхания сегодняшнего мира. Композитор очень тонко передал существующее в жизни смешение высокого и низкого, прекрасного и страшного. Главный метод композиции произведения - полистилистика. Она надолго станет художественным языком и основой драматургии многих сочинений Шнитке – симфоний, инструментальных концертов, Concerti grossi и др. По мнению композитора, полистилистика является убедительным средством для художественного выражения связи времен. Она дает возможность «оторваться» от времени, соединить авангардный стиль с классическим, прошлое с настоящим, жанры серьезной и легкой музыки.

В 1985 г. состояние здоровья композитора резко ухудшилось. Вскоре он переселяется в Германию.

В 1994 г. в Москве прошел грандиозный фестиваль, посвященный 60-летию А.Шнитке. В нем принимали участие выдающиеся музыканты современности: М.Ростропович, Г. Кремер, Ю.Башмет, Г. Рождественский, М. Плетнев. Последние годы жизни композитора прошли в борьбе с болезнью. В Германии он принял католичество. Но после кончины, согласно завещанию, был похоронен в Москве по православному обычаю.

Круг общения композитора и на родине и за рубежом был очень широким. Некоторые его сочинения были рассчитаны на конкретных исполнителей и им же посвящены: Первый струнный квартет – Квартету им. Бородина, первая симфония – Г. Рождественскому, Третий скрипичный концерт – Ю. Башмету, виолончельный концерт - Н. Гутман, фортепианный концерт – В. Крайневу.

В своем творчестве Шнитке обращался к самым разным жанрам. Им написаны балеты («Лабиринты», «Пер Гюнт»), оперы («Жизнь с идиотом», «Джезуальдо», «История доктора Иоганна Фауста»), которые ставятся на сценах музыкальных театров Европы. Им создано огромное количество произведений для оркестра, в том числе 9 симфоний, концерты для различных инструментов с оркестром, Concerti grossi, хоровые, вокальные и камерно-инструментальные произведения. Он писал музыку к театральным постановкам, например, для театра на Таганке. С его музыкой в 1978г. поставлены «Ревизская сказка» Н.Гоголя, в 1981, 1988 гг. – «Вл. Высоцкий» - поэтическое представление, в 1993 – «Живаго» (доктор)» Б. Пастернака. Около 30 лет композитор работал в кино.

Остродраматическая музыка Шнитке, унаследовавшая традиции Шостаковича и Малера, воспринимается как трагедийное размышление об остроте духовной борьбы в последние десятилетия 20 века, когда уходит не только век, но и тысячелетие, и человек воспринимает окружающие катаклизмы как предвестники конца света, как Апокалипсис. Шнитке показывает образы трагического слома в симфониях, концертах, камерной и хоровой музыке через столкновение различных стилей – от лирики барокко до современного танго.



страница3/3
Дата конвертации18.12.2012
Размер0,72 Mb.
ТипТезисы
1   2   3
Разместите кнопку на своём сайте или блоге:
rud.exdat.com


База данных защищена авторским правом ©exdat 2000-2012
При копировании материала укажите ссылку
обратиться к администрации
Документы